Fenster Blau (2016)

fensterblau

Originaltitel: Fenster Blau
Regie: Sheri Hagen
Drehbuch: Zoe und Sheri Hagen
Kamera: Michael Tötter
Musik: Alexander Precht
Laufzeit: 82 Minuten
Darsteller: Emilio Sakraya, Kristin Alia Hunold, Dietrich Hollinderbäumer, Marko Dyrlich, Anne Zander, Hund Collie, Eyk Kauly
Genre: Drama, Literatur
Produktionsland: Deutschland
FSK: k.A.

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Mitten im eisigen Winter kommt Ljöscha auf der Insel Norderney an. Er ist auf der Suche nach der Wahrheit in seiner Vergangenheit. Ljöscha trifft seinen Großvater, der ihn aber abweist. Doch schließlich siegt die Neugier und er möchte wissen, was mit seiner Tochter ist. An einem anderen Ort verschanzen sich ein älterer Mann und ein junges Mädchen in einer Wohnung. Er ist der Vater des Mädchens, aber er liebt sie verbotenerweise. Beide Schicksale hängen zusammen und Ljöscha kämpft zusammen mit seinem Großvater gegen die Vergangenheit, die beide immer wieder einholt …

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Da sieht man sich einen Film an, geht mit keiner besonderen Erwartungshaltung heran und wird mit einer Wucht gepackt, die einen umhaut. Sheri Hagens zweiter Langfilm orientiert sich an dem prämierten Theaterstück „Muttermale Fenster Blau“ der Dramatikerin Sasha Marianna Salzmann. Sheri Hagen steht eigentlich vor der Kamera, beweist aber mit „Fenster Blau“ ein dermaßen  eindrucksvolles Gespür für Dramaturgie und künstlerische Inszenierung, dass es einem die Sprache verschlägt. Ich möchte den Film als Meisterwerk und Rückkehr des deutschen Autorenfilms bezeichnen, so sehr haben mich Geschichte, Bilder und Schauspielleistungen in den Bann gezogen. Der Film wirkt wie ein wahr gewordener Albtraum aus Ängsten und Depressionen, aber auch voller Sehnsüchte, Hoffnungen und Liebe. Es ist schlichtweg genial, wie Hagen diese Gratwanderung zusammen mit ihrer Crew meistert und einen hoffnungsvollen und zugleich verstörenden Film auf Zelluloid bannt.

„Fenster Blau“ ist ein Kammerspiel, das auf eine Weise inszeniert wurde, als hätte ein „deutscher Peter Greenaway“ die Hände im Spiel gehabt. Voller Botschaften (ob sinnvoll oder sinnfrei sei einfach mal dahingestellt), die sich durch den gesamten Film ziehen und permanent zum Nachdenken anregen, aber auch zu Wut, Hilflosigkeit und Trauer. Es ist grandios, wie die Schauspieler allesamt diese Woge an Emotionen durch die knapp eineinhalb Stunden transportieren und greifbar machen. Man möchte an einigen Stellen laut losschreien wie der Protagonist Ljöscha, an anderen würde man den hilflosen, zerrissenen Großvater am liebsten in den Arm nehmen oder sich von ihm in den Arm nehmen lassen. Das Gespann Emilio Sakraya (aktuell: „Heilstaetten“ und „4 Blocks“) und Dietrich Hollinderbäumer (zuletzt in „Angst – Der Feind in meinem Haus“ zu sehen) funktioniert hervorragend, ebenso wie das Agieren zwischen Kristin Alia Hunold („Dem Horizont so nah“) und Marko Dyrlich (unter anderem mit dabei in „Babylon Berlin“). Es ist alles so intensiv, so natürlich, so lebensecht. Trotz des überaus ernsten Themas spürt man die Begeisterung der Beteiligten in jeder Filmminute. Ich ziehe meinen Hut vor den Darstellern. Emilio Sakraya fährt so authentisch aus der Haut, dass man eine Gänsehaut bekommt. Dietrich Hollinderbäumer zeigt sich äußerlich roh und innerlich einfühlsam, das ist eine grandiose Leistung, die die beiden Schauspieler da abliefern. Kristin Alia Hunold spielt die kindlich wirkende und innerlich zerstörte Lena, im positiven Sinne, glänzend theatralisch, während Marko Dyrlich sichtlich unwohl seinen Charakter darstellt. Auch hier kann man nur sagen: imposant! Da können sich so manche „Stars“ eine Scheibe abschneiden.

Zu den schauspielerischen Glanzleistungen gesellen sich  aussagekräftige Bildkompositionen und ein grandioser Score, die den Film zu einem echten Erlebnis machen. Man möchte trotz der oftmals unangenehmen Situationen, die geschildert werden, den Schauplatz und die Charaktere nicht mehr verlassen, denn man fühlt sich wohl oder unwohl mit ihnen und kann ihre Emotionen in jeder Hinsicht nachvollziehen. Sheri Hagen hat aus meiner Sicht ein Meisterwerk erschaffen, das mich nachhaltig beeindruckt und noch lange beschäftigen wird. Sie hat Sasha Marianna Salzmanns Theaterstück eine Tiefe verliehen, die seinesgleichen sucht. Alles ist in schwarz-weiß gehalten, nur die Farbe Blau wird sichtbar. Wie in „Pleasantville“ spielt die Regisseurin dieses Stilmittel bis zum Ende konsequent aus, beeinflusst den Zuschauer bis hin zum Happy End, das letztendlich kein Happy End ist. Oder doch?
„Fenster Blau“ ist ein Film zum Nachdenken, aber auch zum Träumen, bei dem man sich auf sich selbst besinnen kann. „Fenster Blau“ ist ein Film für die große Leinwand, ein unvergessliches emotionales Erlebnis, schlichtweg ganz, ganz großes Kino. Wo sind all die Preise, die dieser Film, dessen Schauspieler und Crew, verdient hat?
Ich kann meine Begeisterung schwer zurückhalten, aber eigentlich will ich das auch gar nicht. 😉 Man muss diesen Film gesehen haben!

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Fazit: Ganz großes Kino aus Deutschland. Wunderbar inszeniert und mit beeindruckenden Schauspielerleistungen.

© 2018 Wolfgang Brunner

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Scars Of Xavier (2017)

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Originaltitel: Scars Of Xavier
Regie: Kai E. Bogatzki
Drehbuch: Kai E. Bogatzki
Kamera: Philipp Peißen, Lucas Blank
Musik: Klaus Pfreundner (Maintitle:Jan Loamfield)
Laufzeit: 90 Minuten
Darsteller: Marc Engel, Constance Wetzel, Alexia von Wismar, Dirk Sonnenschein, Oliver Troska, Isabelle Aring, Angelina Markiefka, Annika Strauss, Daniele Rizzo, Vanessa Tesch, Lamacra
Genre: Horror, Thriller, Drama
Produktionsland: Deutschland
FSK: k.A.

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Xavier ist ein schüchterner Mittvierziger, der in Prag lebt und arbeitet . Er führt ein unauffälliges Leben am Rande der Gesellschaft. Doch in der Nacht kommt sein wahres Ich zum Vorschein und Xavier wird zu einem brutalen Killer.
Doch eines Tages lernt er die Bedienung Karolina kennen, in die er sich ein wenig verliebt. Nun muss Xavier gegen seinen Drang, zu töten, ankämpfen.

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„Scars Of Xavier“ ist der erste Langfilm des äußerst talientierten Editors (zuletzt Marcel Walz‘ „Blood Feast“) und Regisseures Kai E. Bogatzki. Nachdem mich bereits sein Kurzfilm „Liebe“ hellauf begeistert hat, war die Erwartungshaltung an seinen ersten Spielfilm extrem hoch. Um es gleich vorweg zu nehmen: Bogatzki hat mich absolut nicht enttäuscht, ganz im Gegenteil: Er hat meine Erwartungen sogar noch übertroffen und das mag schon was heißen, denn sie waren wirklich sehr hoch. 😉
Aber der Reihe nach: Alleine die Handlung respektive den Drehort nach Prag zu verlegen war ein absoluter Glücksgriff. Sehr stimmungsvoll wird schon während der ersten Bilder eine beeindruckende Atmosphäre aufgebaut, die einerseits durch die grandiosen Bilder heimelig  andererseits wegen der düsteren Umgebung teils kafkaesk wirkt. Jedenfalls trägt die wunderschöne Kulisse der Stadt einen großen Teil zur gesamten Stimmung des Films bei.

Es gibt so viel über diesen grandiosen Film zu erzählen, dass ich gar nicht weiß, wo ich anfangen soll. 😉 Das fängt schon beim gewohnt perfekten Schnitt an, der sich durch den ganzen Film zieht. Die Titelsequenz zum Beispiel kann nur grandios bezeichnet werden. „Scars Of Xavier“ ist ein beeindruckendes, brutales, schockierendes und extrem glaubwürdiges Psychogramm eines Serienkillers, das noch lange nachwirkt. Mit Hauptdarsteller Marc Engel hat Kai E. Bogatzki einen Mann gefunden, mit dem er seine Visionen Wirklichkeit werden lassen konnte. Man spürt förmlich in nahezu jeder Einstellung, wie intensiv (und sowohl körperlich als auch psychisch anstrengend) die Dreharbeiten waren. Die Rolle des Xavier ist eine Paraderolle für Marc Engel, der wirklich alles gibt, um dem Bösen ein glaubwürdiges Gesicht zu geben. Das Schlimme und Erschreckende an seiner Darstellung ist, dass dieses Böse ein Mensch und keine erfundene Horrorfigur á la Freddy Krueger, Jason Vorhees oder Michael Myers ist, die nur stereotype Abschlachter mit wenig Informationen über deren Vergangenheit. Aber hier verkörpert Marc Engel einen Menschen, der mit seinen inneren Dämonen ringt und sie alleine bekämpfen muss. Gerade dieser Aspekt macht den Killer Xavier für mich so wahnsinnig erschreckend und bösartig. Ein wenig erinnert sein Charakter tatsächlich an Dexter Morgan, wobei Xavier verzweifelter, hilfloser und dadurch authentischer und fast schon bedauernswerter wirkt. Bogatzki geht psychologischer an die Thematik heran und versetzt den Zuschauer in eine voyeuristische Rolle, weil er ihn in allen Situationen im Leben des Täters teilnehmen lässt, sowohl am nach außen vollkommen normalen Dasein als auch am inneren Kampf des Killers und seinen blutigen Metzeleien an unschuldigen Opfern, die nichts anderes als Hilferufe nach Absolution seiner verkorksten Kindheit und Mutter-Sohn-Beziehung sind.   Marc Engel geht in seiner Rolle so emotional auf, dass man ihm alles abnimmt. Er stellt den unscheinbaren Nachbar und Mitarbeiter genauso glaubwürdig dar, wie den entfesselten Killer, der auf nichts mehr Rücksicht nimmt und seine Taten „genießt“, weil sie ihn in seinen Augen „retten“ und „erlösen“. Ich habe selten eine solch intensive und authentische Darstellung eines Serienkillers gesehen, wie sie hier in „Scars Of Xavier“ von Marc Engel gezeigt wird.
„And the Oscar goes to …. Marc Engel!“

Bogatzki macht den deutschen Film mit seinen innovativen Ideen und ästhetischen Bildern wieder interessant und zeigt, dass auch in Deutschland extrem gute Filme entstehen können. Unweigerlich fragt man sich nach dieser emotionalen Bilderflut, die einen mit „Scars Of Xavier“ überrollt hat, warum solche Werke mühsam mittels Crowdfunding ins Leben gerufen werden müssen und nicht eine große Produktionsfirma zur Seite hat. Man bekommt zum wiederholten Mal unerträgliche Komödien aus Deutschland geliefert, die nur für Dumpfbacken ein hohes Niveau darstellen, und inszenatorische und schauspielerische Meisterleistungen wie „Scars Of Xavier“ werden im eigenen Land unbeachtet. Und somit komme ich auch schon zu Kai E. Bogatzki selbst, der mit seinem ersten Langfilm ein unglaublich beeindruckendes, perfekt in Szene gesetztes und äußerst bedrückendes Werk abgeliefert hat, dass mich gegen Ende hin sogar an visionäre Filme von Regisseuren wie David Lynch und Lars von Trier erinnert hat. Ich komme aus dem Schwärmen gar nicht mehr heraus, wenn ich an eine Szene, etwa in der Mitte des Films, denke, in der in einer Rückblende ein Mord „zelebriert“ wird. Eine solch blutige (im Grunde genommen abscheuliche) Szene derart künstlerisch zu inszenieren, dass sie Arte-gerecht wirkt, kann ich einfach nur als Genialität bezeichnen. Bogatzki hat ein cineastisches Auge, das vielen Mainstream-Regisseuren schlichtweg fehlt. Unter anderem bei dieser überwältigenden Szene kommt die perfekte Musikuntermalung von Klaus Pfreundner, die der „Schönheit“ jener Bilder noch zusätzlichen Ausdruck verleiht.
An dieser Stelle vielleicht auch noch ein ganz dickes Lob an die Jungs vom Sound: Thorsten Mies hat sich zusammen mit Robert Gondorf um den On-set Ton gekümmert, der ihnen wirklich gut gelungen ist. Robert Gondorf hat dann anschließend mit Robert Prus  das Sound Design gemacht.Philipp Kaase hat all dies im Studio zusammengemischt und auch beim Sound Design mitgemacht! Das Ergebnis kann sich absolut hören lassen.

Und am Ende, wenn der Zuschauer denkt, er hätte den brutalen und blutigen Weg des Xavier mitsamt seinen Opfern hinter sich gebracht, eröffnet Bogatzki noch eine weitere psychologische Tür, die einem den Atem raubt. Visuell überwältigend geht die Reise des Killers weiter, überschreitet Grenzen und macht letztendlich alles, was man gesehen hat, schlüssig.
Bogatzki, der Hauptdarsteller und das ganze Filmteam schockieren, verwirren, und berühren emotional. „Scars Of Xavier“ ist eine Achterbahnfahrt in die Psyche eines Mörders, aber auch in die kranke Welt eines von einem Kindheitstrauma geplagten Menschen, der im Grunde genommen bedauernswert ist. Die äußert real wirkenden Spezialeffekte (verantwortlich unter anderem Philipp Rathgeber) tun ihr übriges dazu, um diesen Film zu einem der schockierendsten, aber auch bemerkenswertesten Filme des deutschen Kinos der letzten Jahre zu machen.
Gerade in Zeiten von computeranimierten, seelenlosen Blockbustern zeigt Bogatzkis „Scars Of Xavier“ was Filmemachen wirklich heißt: Visionen nicht mit Millionen-Budget umsetzen zu können, Schauspiel und innovative, emotionale Ideen. Alle diese drei Dinge vereinen sich in „Scars Of Xavier“. Hinzu kommt noch eine grandiose Kameraführung und ein toller Score.
Danke an Kai E. Bogatzki nebst seinem kompletten Team und dem großartigen Hauptdarsteller Marc Engel, dass ich an diesem blutigen Albtraum teilhaben durfte, der authentischer nicht sein könnte und mich noch lange in meinen Gedanken begleiten wird. Begeisterter kann ich von einem Film fast nicht sein.
Wohlverdient heimst der Film auch gerade auf ausländischen Festivals eine Nominierung und Auszeichnung nach der anderen ein. Die nachfolgende Auflistung hat den Stand vom 12. Dezember 2017:

Gewinner (bisher):
„Best Thriller“ – Nightmares Film Festival
„Best Editing“ – FEARnyc
„Best Festure Film“ – DarkVeins Horror Fest
“Best Special Effects“ – DarkVeins Horror Fest
„Best Director“ – 13horror.com
„Special Mention“ – Optical Theatre Festival

Nominierungen (bisher):
„Best Cinematography“ – Nightmares Film Festival
„Best Feature Film“ – FEARnyc
„Best Actor“ – DarkVeins Horror Fest
„Best Score“ – DarkVeins Horror Fest
„Best Feature Film“ – Optical Theatre Festival
„Best Actor“ – Optical Theatre Festival
„Best Film“ – 13horror.com
„Best Actor“ – 13horror.com
„Best Actress“ – 13horror.com
„Best supporting Actress“ – 13horror.com

Official Selections:
FrightNights – Linz
SoIndependent Film Festival – Sofia

Wie gesagt: Wohlverdient! 😉

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Fazit: Brutal, blutig und schockierend. Psychogramm eines Serienkillers mit visionären  Bildern und brillanter, stylischer Umsetzung. Uneingeschränkt volle Punktzahl in jeder Hinsicht.

© 2017 Wolfgang Brunner

Boulevard (2016)

Originaltitel: Boulevard
Regie: Dito Montiel
Drehbuch: Douglas Soesbe
Kamera: Chung-hoon Chung
Musik: Jimmy Haun, David Wittman
Laufzeit: 88 Minuten
Darsteller: Robin Williams, Kathy Baker, Roberto Aguire, Eleonore Hendricks, Giles Matthey, Bob Odenkirk
Genre: Drama
Produktionsland: Vereinigte Staaten
FSK: ab 12 Jahre

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Nolan ist sechzig Jahre alt und Bankangestellter. Er lebt ein ereignisloses Leben mit seiner Frau, bis er eines Abends auf der Heimfahrt einem Stricher begegnet. Nolan gesteht sich ein, dass er sich in den Jungen verliebt hat und führt kurze Zeit ein Doppelleben, bis er sich dazu entschließt, seiner Frau alles zu beichten.

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Robin Williams in seiner letzten Rolle. Das war genau der Grund, warum ich mich an diesen Film lange Zeit nicht herangetraut habe. Ähnlich wie nach dem Tod von James Gandolfini hatte ich Angst davor, einem meiner Lieblingsschauspieler noch einmal im Film zu begegnen, obwohl ich wusste, dass er tot ist.
Ich bin von „Boulevard“ schlichtweg begeistert. Gewohnt präzise und glaubwürdig stellt Williams den Charakter des Sechzigjährigen dar und lässt den Zuschauer fast im Glauben, Williams hätte ein Geheimnis seines eigenen Lebens gespielt. Die Sehnsucht in seinen Blicken, wenn er von einem neuen Leben träumt, sind von solcher Emotion erfüllt, dass es fast schmerzt. Robin Williams hat mit der Geschichte um ein spätes Coming Out einen unglaublich guten letzten Film hinterlassen, der noch lange nachwirkt.

Robin Williams hat mit seiner Charakterdarstellung des Nolan ein letztes Mal gezeigt, welch unglaubliches Können in ihm steckt. Der Film ist sowohl in seiner Inszenierung als auch in schauspielerischer Hinsicht minimal gehalten und entwickelt dadurch eine extrem intensive, emotionale Wirkung, um nicht zu sagen „Wucht“. Verfolgt man die innere Zerrissenheit des Protagonisten, so durchlebt man seine Unentschlossenheit in Mimik und Verhalten des Schauspielers so eindringlich, dass es einem Gänsehaut verursacht. Aber auch Unsicherheit, Schüchternheit und Sehnsucht findet man in Williams‘ Gesichtsausdruck. Man leidet mit ihm und wünscht ihm von ganzem Herzen, dass er glücklich ist. Aber Nolan liebt auf tragische Weise beide: Seine Frau und den jungen Mann. Jeden auf eine andere Art und Weise. Gerade die unspektakuläre und sehr feinfühlige Inszenierung durch Regisseur Dito Montiel veranlasst mich, die Äußerung zu wagen, dass sich „Boulevard“ ohne weiteres in die Reihe thematisch ähnliche Klassiker wie „Tod in Venedig“ oder „Brille mit Goldrand“ einreihen kann. Es mag für den ein oder anderen unglaubwürdig erscheinen, wenn sich in der heutigen Zeit ein Sechzigjähriger nicht „einfach so“ outet. Doch man darf nicht vergessen, dass die Offenheit, wie wir sie heute kennen, zum einen noch gar nicht so lange existiert und zum anderen es heutzutage immer noch schwere Vorurteile gegenüber Homosexuellen gibt. Von daher erzählt „Boulevard“ aus meiner Sicht eine durchaus realistische Geschichte, die auch heute noch passieren könnte und mit Sicherheit passiert. Ich möchte nicht wissen, wie viele Männer (oder auch Frauen) sich ihre Liebe zum eigenen Geschlecht nicht eingestehen (egal, wie alt sie sind), weil sie sich gesellschaftlichen und sozialen Zwängen unterwerfen. Gerade unter diesem Aspekt erzählt „Boulevard“ von einem unglaublich mutigen Mann, der diese Grenze überschreitet, weil sein Herz es verlangt.

Kathy Baker als Ehefrau spielt grandios und spiegelt das Gefühl wider, das eine Frau empfinden muss, wenn sie von ihrem Mann erfährt, dass er Männer liebt. Und dennoch wird gezeigt, wie sehr sie ihren Mann liebt und ihn nicht weggehen lassen will, egal welche Lebensphase er gerade durchmacht. Dieses Spiel zwischen Williams und Baker verschlägt einem den Atem, so eindringlich und authentisch ist es. Gerade die Problematik des „Sich entscheiden müssens“ wird sowohl von Robin Williams als auch seiner Filmpartnerin Kathy Baker hervorragend gespielt. Als Stricher kann Roberto Aguire ebenfalls überzeugen. Die Szenen zum Beispiel, in denen er Nolan Sex anbietet, weil er keine Gefühle zeigen kann oder mag, und Nolan dagegen nur Liebe, Zärtlichkeit und Geborgenheit fordert, sind sehr stimmungsvoll und wirken wie aus dem Leben gegriffen.
Vielleicht lehne ich mich etwas weit aus dem Fenster, wenn ich sage, dass dieser Film vielleicht sogar einer der besten von Robin Williams ist und er sich mit dieser Rolle eindeutig ein ewiges Denkmal gesetzt hat, in dem er nämlich ein letztes Mal alles gegeben hat, was er wirklich gut konnte: Charakterschauspiel in einer fast schon beängstigenden Perfektion.

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Fazit: Robin Williams‘ filmisches Vermächtnis, wie es intensiver und emotionaler nicht sein könnte. Eine Meisterleistung aller Beteiligten.

© 2017 Wolfgang Brunner

Kleines Püppchen, Teddybär (2011)

Kleines Püppchen Teddybär - Cover

Originaltitel: Kleines Püppchen, Teddybär
Regie: Manuela Schuster
Drehbuch: Manuela Schuster
Kamera: Julia Richter, Georg Pircher Verdorfer
Musik: Martin Sachsenhofer
Laufzeit: 25 Minuten
Darsteller: Nikolai Will, Elias Mayer, Kerstin Hochwimmer, Petra Mayr, Ingrid Schuster, Marina Bytel, Jennifer Bytel
Genre: Drama, Kurzfilm
Produktionsland: Österreich
FSK: ab 14 Jahre

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Johannes ist ein Einzelgänger und arbeitet als Telefoninterviewer. Seine Wohnung verlässt er nur selten. Als eines Tages ein kleines Mädchen am anderen Ende der Telefonleitung spricht, gerät die bis dahin heile Welt von Johannes ins Wanken und er muss sich seiner Vergangenheit stellen …

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Manuela Schuster hat mit ihrem Kurzfilm „Kleines Püppchen, Teddybär“ ein unglaublich intensives Drama erschaffen, das thematisch entfernt an den bedrückenden „The Woodsman“ mit Kevin Bacon erinnert. Schuster schafft es allerdings in weitaus weniger Minuten, eine beängstigende Auseinandersetzung mit diesem Tabuthema auf die Beine zu stellen, die man nicht mehr so schnell vergisst.

Professionell und erschütternd wird eine Geschichte erzählt, die tragischer nicht sein könnte. Der Täter wird zum Opfer, das Opfer wird zum Täter. Auf grandiose Weise spielt Nikolai Will einen einsamen, verängstigten und schüchternen Mann, der mal erfolgreich und mal weniger erfolgreich gegen seine Vergangenheit ankämpft und daran fast zerbricht. Unglaublich authentisch und bewegend spielt er den Charakter des Johannes, der ganz genau weiß, was mit ihm nicht stimmt, aber dennoch immer wieder den deprimierenden Kampf gegen seine wirren Gedanken verliert. Nikolai Will ist in dieser Rolle ein begnadeter Schauspieler, der es ohne weiteres schafft, Abscheu, Mitleid und Sympathie zugleich im Zuschauer zu erwecken. Als er an seinem „Problem“ fast zerbricht, leidet man mit ihm, so grandios wird das dargestellt. Es ist eine arme, unscheinbare Seele, die wir unter der einfühlsamen Regie von Manuela Schuster auf ihrem Weg begleiten. Drastisch aber auch einfühlsam und ohne große Schnörkel wird die Tragödie eines innerlich zerrissenen Charakters erzählt, der sich seiner Vergangenheit mit aller Kraft stellen will. Nikolai Will spielt den „Verbrecher“ so intensiv, das einem an manchen Stellen wahre Schauer über den Rücken laufen.

Manuela Schuster gelingt ein kleines Wunder, in dem sie einen in der Öffentlichkeit normalerweise verhassten Kinderschänder sympathisch macht, weil sie seine Vergangenheit durchleuchtet und auf mutige Art und Weise die Gründe aufzeigt, warum so etwas überhaupt passiert. Auf faszinierende Weise rüttelt uns die Regisseurin auf und fordert uns unaufdringlich auf, bei solchen Dingen nicht die Augen zu verschließen, sondern sowohl den Tätern als auch den Opfern größte Beachtung zu schenken.

Das Ende des Films ist traurig, hoffnungsvoll, hoffnungslos, schockierend, melancholisch und und und … Beeindruckend, wie man es schaffen kann, innerhalb 25 Minuten solch emotionales Chaos beim Zuschauer zu verursachen. „Kleines Püppchen, Teddybär“ ist ein enorm wichtiger Beitrag zum Thema „Kindesmisshandlung“, der mit einem bravourösen Hauptdarsteller wie ein Schlag in den Magen wirkt. Nikolai Will, der auch Komiker ist, zeigt hier, welch enormes Potential in ihm steckt und dass er ein hervorragender Charakterschauspieler ist, der Rollen in größeren Produktionen verdient.
„Kleines Püppchen, Teddybär“ ist ein Kurzfilm, den jeder einmal sehen sollte.

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Fazit: Drastisch und dennoch einfühlsam meistert Regisseurin Manuela Schuster eine Gratwanderung zum Thema „Kindesmissbrauch“. Nikolai Wills beeindruckendes, mutiges Schauspiel verursacht Gänsehaut.

© 2015 Wolfgang Brunner